Alles beginnt beim Menschen.Aus der Essenz des Porträts, in dem Georges Nadra das Material aus seinen Werken herausholt, dessen Träger im Allgemeinen Leinen ist, das manchmal „leer“ verwendet wird, in seinen Kompositionen jedoch als „voll“ angesehen wird. Vor allem aber modelliert der Maler seine eigene Erinnerung nach einem inneren Licht, das er sich zu eigen macht. Es überschreitet Grenzen und provoziert eine echte Aufmerksamkeit für das, was Malerei sein sollte: ein anderer Blick. Den Künstler zu hören bedeutet auch, seiner Arbeit zuzuhören.

​

In den Jahren 1983-84 malte er das Licht des Mannes in Schwierigkeiten in einer psychiatrischen Klinik in einer Stadt im Krieg. Es entstand eine Reihe von Gemälden, die er nannteBesucher des Kreuzkrankenhauses.

 

Später, während seiner Aufenthalte zwischen England, Italien, Kanada und der Schweiz, fügte er eine „unendliche Architektur des Porträts“ hinzu, eine Art zeitlose Reise, in der eine innere Flamme atmet, zweifellos die eines Gesichts, einer Emotion, einer Umarmung, die von ihr umgeben ist der psychische Bildschirm seiner „Storyboards“, skizziert in den Falten seines Gedächtnisses.

 

Seit 1986 ist Paris zu seinem Hauptlebens- und Schaffensort geworden, wo sich der Kontrast von Einflüssen und Erinnerungen vermischt. In gewisser Weise ein Filter, der es ermöglichteine gemischte Archäologie dessen, was wir gemeinhin als den menschlichen Zustand bezeichnen. Ein komplexes, zerbrechliches, verdrehtes, qualvolles Netz, das dieser instabilen Seele, die in jedem von uns zum Vorschein kommt, Substanz verleiht. Ohne bis zum Ritual zu gehen, scheint Georges Nadras Gemälde einen Pakt zu begehen, der sowohl unantastbar als auch offen für die inhärenten Gefahren der Porträtmalerei ist. Noch besser ! Es ist dem Menschen in Bezug auf den Raum gewidmet. Es ist viel hellsichtiger. Es geht durch die Wand, die uns kleidet. Es ist ein bisschen ein Kampf, ohne einer zu sein. Er ist im Dienst, ohne ein Wächter zu sein. Er ist auf der Suche, ohne ein Jäger zu sein. Natürlich ! Er hätte andere Genres ausprobieren können. Warum nicht der Krieg, den er mitten im blutigen Beirut erlebte? „Ich gehöre nicht zu den Künstlern, die Krieg interpretieren“, sagt er, „ich halte ihn für ein universelles Phänomen, das wir vor Ort und aus der Ferne erleben können.“ » Warum nicht eine Landschaft? „Ja, die Landschaft der Seele nach dem Betreten des Porträts. Ich habe immer gedacht, dass Augen die reine Abstraktion des Menschen sind. Die Frage ist eigentlich: „Was ist hinter der Mauer?“Meine Arbeit ist voll und ganz mit Transparenz verbunden. »

​

Tatsächlich sind Nadras Bilder lange Autobahnen, die kreuz und quer durch die entlegensten Regionen der Erinnerung führen; ein kollektives Gedächtnis, in dem sich die Archive eines gigantischen Roadmovies stapeln.Man kann sie als Aufnahmen des menschlichen Lebens betrachten, als schwebende Ikonen auf Altarbildern mit minimalistischen Akzenten, als Bruchstücke von Gesten, die sich jeder Disziplin entziehen. Sie können in Materie eingefroren werden: ein Agglomerat aus Pigmenten, Netzen, Metallen, Holz, Kohle und Papier. Sie können während der Produktion entstehen und uns an die Bedeutung des Rahmens erinnern, in dem sie agieren. Dabei handelt es sich um so viele Partikel des Lebens, die in einem Fruchtwasser schwimmen, während die durchsichtige Ziegelwand letztendlich die Unendlichkeit, sagen wir mal, für uns zugänglicher macht.

​

Er war zufällig daran interessiertReflexion durch Plexiglas, um das Leere und die Fülle, das Konkave und das Konvexe gegenüberzustellen, wie in Ombres elusive II, einer aus achtundzwanzig Teilen bestehenden Installation. „Ich wollte, sagte er, die Malerei zurück zur Idee der Fotografie bringen, ohne den Prozess der Fotografie zu durchlaufen. » Fügen wir einmal sein wiederkehrendes Verlangen nach Perspektive hinzu, nach Harmonie, die seiner Meinung nach „aus Widersprüchen besteht“, nach einem Hin und Her zwischen dem Vollendeten/Unvollendeten, der Horizontalität/Vertikalität, dem Erscheinen/Verschwinden, ja zusammengesetzt der Extreme im Gleichgewicht... Beachten wir den Seiltanz, den der Künstler vorführt.Es schichtet den Raum, lässt ihn auf dem instabilen Faden der Erinnerung tanzen und verleiht ihm sogar eine Atmosphäre, die sowohl düster als auch schädlich ist. Wir müssen glauben, dass Instabilität bei ihm menschlich und berührend ist, sie scheint sogar ein Kraftträger zu sein, bevor sie eine Quelle der Inspiration ist. Das weiß er umso mehr, weil „Farbe eine Narbe ist“, die nie heilt.

​